BIENNIO 10. Arte e branding dell’arte: Venezia, Arsenale, Biennale

a. Branding


http://it.wikipedia.org/wiki/Branding
http://www.americascup.com/it/Events/2012-2013-AC-Eventi/Venice-ITALY/LAMERICAS-CUP-WORLD-SERIES-SBARCHERA-A-VENEZIA/
http://it.wikipedia.org/wiki/Arsenale_di_Venezia
http://www.dse.unive.it/storia/Arsenale.htm

Romano Cappellari, Il marketing della moda e del lusso, Roma, Carocci Editore, 2008



b. Venezia e le sedi della Biennale d’Arte


Spazi e riuso dell’Arsenale per la Biennale:
www.labiennale.org

Arsenale e installazioni pervasive:
Alla Biennale di Venezia del 1999, l’artista svizzero Thomas Hirschhorn (vedere lezioni precedenti) si rivelò al mondo con World Airport, opera dedicata agli aspetti instabili, nomadici, della vita contemporanea. Due interi, vasti ambienti erano invasi da un immane aggregato di oggetti che nel loro insieme evocavano il viaggio, e, ancor più, l’idea di una residenza precaria, provvisoria: aerei, valigie, ma anche pacchi di cartone legati con il nastro adesivo e con lo spago, accumulati come per una partenza o un trasloco. Ogni sorta di memorie, personali e collettive, si insinuavano in questo universo instabile: fotografie, taccuini, e anche quegli strazianti piccoli altari di candele, fotografie e fiori artificiali che la gente costruisce sui luoghi di incidenti stradali o per ricordare le vittime di qualche episodio di violenza (nel 1999, quando quest’opera fu presentata alla Biennale, era recente il ricordo della guerra nei Balcani, di un lungo periodo in cui e immagini di simili altarini costruiti ai margini delle strade, fra le macerie delle case distrutte dai bombardamenti, erano passate in televisione quasi quotidianamente). Una vasta installazione che pervadeva interamente lo spazio in cui era collocata ma con l’aria di non avere in realtà confini, di poter continuare all’indefinito. A rilegare questo vasto, e teoricamente infinito, ammasso di oggetti e di materiali, c’era un elemento ricorrente, il nastro adesivo marrone: chiudeva buste e pacchi e li teneva uniti, ne rafforzava gli spigoli, fungeva da precario materiale da costruzione. Era l’elemento unificante, ossessivamente ricorrente dell’intera composizione. Un potente elemento simbolico, che il pubblico immediatamente riconosceva. Presente in ogni casa, in ogni ambiente di lavoro, il nastro adesivo marrone è un materiale disadorno, che interviene sempre in situazioni utilitarie, caratterizzate da un fattore di transitorietà: dal chiudere un imballaggio al riparare provvisoriamente un vetro rotto; da dimesso, diventa squallido quando da transitorio si trasforma in permanente, magari per riparazioni visibili di oggetti che qualcuno ha rinunciato, per necessità o per indifferenza, a rimettere in efficienza in modo migliore.


*1. Thomas Hirschhorn, Flugplatz Welt/World Airport, installazione, materiali vari, 1999
Venezia, Arsenale, Artiglierie.


2. Ernesto Neto, O Bicho!, 2001
Tessuto di lycra e spezie. Installazione presso le Artiglierie dell’Arsenale, nell’ambito della 49.ma Biennale Arte. Direttore: Harald Szeeman

Molto importante il suo passaggio alla 49.a Biennale di venezia nel 2001, con opere sia al Padiglione Nazionale del Brasile che alla mostra internazionale alle Corderie. Qui Neto ha rivelato al pubblico internazionale l’originalità del suo lavoro di scultore: un foresta di grandi “mammelle” in lycra, soffici, semitrasparenti e pendenti dal soffitto, stirate verso il basso da polveri di spezie il cui profumo sensuale si diffondeva nello spazio espositivo, avvertibile già in distanza, e che si accumulavano pian piano sul pavimento, cambiando ogni giorno l’aspetto dell’opera.
Ernesto Neto è considerato uno dei maggiori esponenti dell’arte contemporanea in Brasile. La sua ispirazione deriva in parte dal neo-concretismo, movimento sviluppatosi in Brasile alla fine degli anni ’50, per opporsi alla rigidezza e all’astrazione geometrica del razionalismo in nome di un nuovo senso dell’organicità e di un diverso coinvolgimento dell’utente nell’architettura.
Le opere di Neto sono installazioni astratte, che spesso invadono l’intero spazio espositivo, realizzate con materiali e forme che evocano il mondo organico.



3. Jason Rhoades & Paul McCarthy, Propposition, 1998-99, installazione
alla 49.ma Biennale Arte. Direttore: Harald Szeeman.
Venezia, Artiglierie dell’Arsenale


http://www.hauserwirth.com/artists/37/jason-rhoades/images-clips/18/

http://www.davidzwirner.com/artists/jason-rhoades/

Bibliografia

Vedere i link citati nel testo

9.ELEMENTI DI ICONOGRAFIA E ICONOLOGIA Statuaria egizia e arte dell’Egitto cristiano

a. Statuaria egizia e arte dell’Egitto cristiano (a integrazione delle immagini di: E. Panofsky, Il significato nelle arti visive)

Nella plurimillenaria storia dell’arte egizia, la statua è dapprima l’oggetto di maggior rilevanza contenuto all’interno dei complessi funerari, per venire successivamente sostituita dalla mummia coi relativi involucri antropomorfi (sarcofagi).

Nella statuaria egizia dell’Antico Regno (che vede l’affermarsi della figura del Faraone come sovrano assoluto, e lo sviluppo nell’architettura della piramide), volti intensamente caratterizzati vengono posti su corpi schematici.  Più tardi, quando la mummia sostituirà la statua nel cuore della sepoltura, si porrà infinita cura a fare in modo che le fattezze del volto vengano comunque preservate, al di là della durevolezza della materia organica, per mezzo di maschere e di dipinti sovrapposti, anche in più strati, al viso del defunto.

La statua del defunto come vivente, in atto di uscire da una nicchia per occupare lo spazio che gli viene offerto per la vita dell’oltretomba, ha un volto intensamente caratterizzato che permette allo spirito (e a lui soltanto) di riconoscere sè stesso nel ricettacolo che gli viene offerto e di andarlo ad occupare.

1. Arte egizia del medio regno, XIII dinastia, STATUA DEL KA DI AUIBRA HOR ALL'INTERNO DEL SUO SANTUARIO. Legno, lamina d’oro, pietre dure, cm 10 x 12 (Nr inv.: JE 30948|CG 259). Provenienza: Dashur, piramide di Amenhemet III (santuario)

Cairo, Museo Egizio

Volti caratterizzati nella statuaria egizia:

*2. Statua di Ka-Aper (“Sheikh-el-Balad”). Legno di sicomoro, occhi intarsiati, alt. 112 cm, 2460 a.C. ca.

Cairo, Museo Egizio

Schemi rappresentativi:

Colore più scuro per la pelle dell’uomo e più chiaro per la donna; bambini, dito posato sulle labbra e capigliatura solo su una metà della testa.

*3. Gruppo statuario in calcare dipinto raffigurante il nano Seneb e la sua famiglia. 2500 a.C. circa.

Cairo, Museo Egizio.

4. Arte egizia del periodo tardo, Sarcofago, legno dipinto, altezza m 1,96 (IX-VIII sec. a.C.) Provenienza: Tebe

Londra, British Museum.

Nel periodo greco-romano, la pratica dell’imbalsamazione si estende anche ai non indigeni dell’Egitto, e comunque non perde il favore degli strati grecizzati della popolazione.

A quest’epoca il sarcofago è spesso sostituito da una semplice fasciatura rigida, talvolta conformata, stuccata e dipinta in modo da simulare il sarcofago stesso. Al volto vengono sovrapposte maschere di legno o cartapesta modellate, o ritratti dipinti a encausto, spesso secondo uno stile “illusivo” greco che crea un’incongua spaziaità alle spalle della figura.

Questi ritratti, che sono in pratica i soli documenti superstiti della pittura da cavalletto greco-romana, prendono il nome, per estensione, dall’oasi di El-Fayyum, da cui proviene il maggior numero di reperti di questo tipo.

*5. Arte greco-egizia del periodo romano, Ritratto di Artemidoro, Pittura a cera su legno, altezza cm. 32, II secolo d.C.

Proveniente da El Fayyum

b) Arte egizia e arte bizantina: il saluto della Vergine

La parte tarda di questa tradizione, nell’Egitto greco-romano dei primi secoli dopo Cristo, s’intreccia indissolubilmente con le origini e il senso della pittura di icone.

La caratterizzazione delle figure e il gestuale delle figure presentano importanti affinità: il lenzuolo copto del Louvre detto “La dama dell’ankh”, alcune rare testimonianze di pittura cristiana a encausto dei primi secoli come la Madonna della Clemenza di Santa Maria in Trastevere, i rari “pinaka”del XIII secolo con la Vergine e l’Emanuele oranti nella Navata di san Marco a Venezia, sono gli elementi una storia che concludiamo simbolicamente con l’ardita mossa di Giusto de’ Menabuoi: l’artista, attivo a Padova nel tardo Trecento, sceglie di ruotare nello spazio la figura della Vergine colta nell’antico gesto di sollevare le mani in orazione, creando un’immagine che è un singolare misto di innovazione e tradizione.

*6) Lenzuolo funebre di una donna (detta “la dama dalla croce ansata”)

4 secolo d.C.

Antinopolis, Scavi Albert Gayet, 1900-1

Lino dipinto a tempera ed encausto

H. 1.66 m; W. 0.85 m

Parigi, Louvre. Dipartimento antichità egizie

AF 6440

http://www.louvre.fr/llv/oeuvres/detail_notice.jsp?CONTENT%3C%3Ecnt_id=10134198673225213&CURRENT_LLV_NOTICE%3C%3Ecnt_id=10134198673225213&FOLDER%3C%3Efolder_id=9852723696500809&fromDept=false&baseIndex=2&bmUID=1142798544743

http://fr.wikipedia.org/wiki/Ânkh

*7. Pittore romano (?), del secolo VI (?), Madonna della Clemenza, encausto

Roma, Santa Maria in Trastevere

b. Il gesto di saluto/accoglienza della Vergine:

*8. La Vergine, mosaico, sec. XIII

Venezia, San Marco, navata centrale

http://www.basilicasanmarco.it/gallery/mosaici/nuovo_test/pynakes/galleryWAI.bsm?idx=2&lang=ita#description

Dieci quadri in mosaico incastonati tra preziosi marmi, splendide realizzazioni del XIII secolo, i "pinakes", presentano sulla parete destra, la Vergine, su quella sinistra, il Cristo Emanuele, attorniati da quattro profeti.

*9. Giusto de’ Menabuoi, Annunciazione, affresco.

Padova, Battistero del Duomo, 1374-1378

Il maestro tardogotico padovano presenta la Vergine in prospettiva, volta di profilo, mentre rivolge all’angelo l’antichissimo gesto di saluto di tradizione egizia-bizantina.

Bibliografia

a) Sull’arte egizia:

AA.VV., I FARAONI IL TEMPO DELLE PIRAMIDI DALLA PREISTORIA AGLI HYKSOS 1560 A.C., Milano, Rizzoli, “BUR Arte”

b) Sull’Annunciazione della Vergine:

M. BAXANDALL, Pittura ed esperienze sociali nell’Italia del Quattrocento, Torino, PBE, 1978

8.ELEMENTI DI ICONOGRAFIA E ICONOLOGIA Michelangelo, "Epifania" / Agnolo Bronzino, ritratti e allegorie

a. L'' "Epifania" di Michelangelo

*1. Michelangelo, Epifania. Carboncino su carta, 1550–1553, 2.32 x 1.65 m

Londra, British Museum

http://en.wikipedia.org/wiki/Epifania http://www.britishmuseum.org/explore/highlights/highlight_objects/pd/m/michelangelo_buonarroti,_epifa.aspx

Il cartone di Michelangelo al British Museum noto come l’Epifania non è uno dei più amati o riprodotti fra i suoi capolavori. E’ un’opera dell’artista già molto anziano (la realizzò a 75 anni). Il linguaggio è quello della Cappella Paolina: figure massicce, di grande impatto monumentale, un racconto spoglio fino ad essere disadorno, come se l’artista non avesse più tempo o interesse per gli orpelli; un tratto che ha perso l’esaltante nerbo di un tempo, è ormai quello spesso e arrotondato delle opere tardive.

Il soggetto è tuttora di incerta decifrazione: la figura al centro è certamente la Vergine, con ai piedi il Bambino e San Giovannino; con la sinistra respinge una figura di vecchio (generalmente interpretato come San Giuseppe, il gesto alluderebbe al miracoloso concepimento di Gesù, senza intercorso carnale tra Maria e lo sposo), mentre presta orecchio alla figura di giovane alla sua destra, non identificata.

Non ci sono altri personaggi, mancano in particolare i Magi; è difficile quindi interpretare questa rappresentazione come un’Epifania. Questo titolo in effetti si deve al fatto che l’opera è posta in correlazione con un cartone dell’Epifania di cui parla il Vasari nella sua Vita di Michelangelo.

Che cosa rappresenta, dunque, questa scena? Per curioso che possa sembrare, plausibili suggerimenti per una sua possibile interpretazione ci vengono da Leonardo da Vinci.

Com’è noto, pur non essendosi mai trovati in situazioni di diretta concorrenza, i due maggiori geni del Rinascimento italiano si odiavano a vicenda, arrivando alla miseria dell’insulto pubblico. Vasari riferisce di un incontro per le strade di Firenze in cui i due, mentre avrebbero avuto ottime ragioni per sorvolare sull’argomento, si insultano scambiandosi a vicenda davanti a testimoni infamanti accuse di pederastia; episodio che farebbe sorridere, se non fosse troppo triste, rivelandoci i due grandi in un momento di umanità assai poco esaltante.

Ma è proprio nella Vergine delle Rocce di Leonardo, o, più precisamente, nel momento fiorentino della lunga gestazione di quest'opera, che si nasconde, forse, la possibile chiave per l'interpretazione iconografica di questo grande disegno di Michelangelo.

b. Lettura del saggio di E. PANOFSKY La storia della teoria delle proporzioni del corpo umano come riflesso della storia degli stili (1921), in Il significato nelle arti visive (1955), trad.it. Torino, Einaudi, p.1-56.

In sede di esame, lo studente dovrà essere in grado di riconoscere e commentare tavole e immagini nel testo

c. Agnolo Bronzino: ritratti e allegorie nella Firenze granducale

Una parte consistente delle collezioni medicee del Quattrocento è costituita da gemme e monete antiche, da cui gli artisti della cerchia traggono ispirazione per soluzioni stilistiche e temi iconografici. L’offrire a valenti giovani artisti l’accesso alla collezione dei marmi antichi (custoditi nel Giardino di San Marco) e a quella delle gemme, oltre che alla conversazione con umanisti e intellettuali della cerchia familiare, costituisce il primo germe dell’idea di un’accademia d’arte.

La prima Accademia di belle arti della storia, concepita con la formula tuttora in uso di luogo d’incontro fra i saperi artigianali connessi all’arte e discipline umanistiche, prenderà in effetti una forma istituzionale proprio a Firenze oltre mezzo secolo dopo: si tratta dell’Accademia del Disegno fondata nel 1562 da Giorgio Vasari, e cui furono messi a capo come “principi”, e significativamente posti sullo stesso piano, Michelangelo Buonarroti, allora all’apice della fama, e il granduca di Firenze Cosimo I de’ Medici.

Una grande esposizione a Palazzo Strozzi a Firenze ha rivisitato nel 2011 l’opera di Agnolo di Cosimo, detto il Bronzino (1503-1572), raffinato pittore di corte negli anni del governo di Cosimo I de’ Medici, esponente di spicco dell’Accademia fiorentina e una delle maggiori figure del nostro Cinquecento.

2., 3. Michelangelo, Particolari dell’architettura e dell’ornamentazione scultorea della Biblioteca Laurenziana, Firenze 1525-34

*4. Agnolo Bronzino, Ritratto di giovane con libro, ol./tav., 95,5 x 75 cm , 1535-40 ca.

New York, Metropolitan Museum

*5. Agnolo Bronzino, Ritratto di Ugolino Martelli, olio su tav. 102 x 85 cm, 1535-38 ca.

Berlino-Dahlem, Gemäldegalerie

*6. Agnolo Bronzino, Ritratto di Bartolomeo Panciatichi, ol./tav., cm 104 x 85 , 1540 ca.

*7. Agnolo Bronzino, Allegoria della Giustizia, affresco, 1540-41

Firenze, Palazzo Vecchio, Cappella di Eleonora da Toledo

*8. Bronzino, Allegoria della Temperanza, affresco, 1540-41

Firenze, Palazzo Vecchio, Cappella di Eleonora da Toledo

Bibliografia

Su Michelangelo e Bronzino:

F. HARTT, Michelangelo/I disegni, trad.it. Milano, Garzanti, 1972

http://www.polomuseale.firenze.it/musei/cappellemedicee/visita/sagrestia_nuova.asp

E. BACCHESCHI, L’opera completa del Bronzino, Milano, Rizzoli (“Classici dell’Arte”, N°70), 1973

http://www.polomuseale.firenze.it/catalogo/scheda.asp?position=1&nctn=00158860&rvel=null

C. FALCIANI e A. NATALI (a cura di), Bronzino pittore e poeta alla corte dei Medici, Firenze, Mandragora, 2011

http://www.palazzostrozzi.org/SezioneBronzino.jsp?titolo=Cataloghi&idSezione=359

AVVISO

Lunedì 4 giugno il Seminario per il Triennio si svolgerà regolarmente (sia Videogiochi che Decenni), con orario 10-13.

A seguire, alle 14, nell'aula teorie al primo piano, si terrà la lezione del TPO di Prato, nell'ambito del ciclo di conferenze organizzate a integrazione della didattica NTA 2011/12. L'incontro è aperto sia agli allievi del Biennio che del Triennio.

Calendario lezioni e seminari

Lunedì 21 maggio

Il seminario per il Triennio è sostituito dalla frequenza alla lezione di Paolo Rosa di Studio Azzurro in sede centrale a partire dalle ore 14 nell’ambito dei Seminari aperti per il Biennio NTA 2011/2012

Mercoledì 23 maggio

La lezione per il Triennio si svolgerà regolarmente dalle 9.30 alle 11.30. Intorno alle 10 è programmata la visita degli incaricati con distribuzione del questionario per la valutazione degli insegnamenti.

Lunedì 28 maggio

Seminario per il triennio, ore 10-13. (Sia Videogiochi che Decenni)

Mercoledì 30 maggio

La lezione avrà luogo regolarmente, con orario 9.30-11.30. Nell’ultima mezz’ora si svolgerà il TEST DI VERIFICA PROFITTO.

TEST VERIFICA PROFITTO TRIENNIO

Nell’ambito della lezione di mercoledì 30 maggio, avrà luogo il test di verifica profitto.

Il test riguarda la parte di programma svolta fino a questo momento, ovvero le lezioni 1-9 pubblicate sul blog gloria vallese.

Il test consta di 15/20 domande, ciascuna con tre risposte a scelta, e di due domande che prevedono tre righe per una risposta discorsiva. Si richiede la conoscenza approfondita delle opere indicate con asterisco, inclusa la tecnica, l’anno di produzione, e il repositorio (ovvero il luogo in cui l’opera è custodita).

La mancata risposta a un terzo delle domande implica l’insufficienza, quindi l’impossibilità di sostenere l’esame nella prima sessione.

I temi trattati nei seminari non sono inclusi nel test.

Non è previsto test di recupero. Gli assenti per qualunque ragione dovranno sostenere l’esame in seconda sessione.

Lunedì 4 giugno

Si sta verificando l’opportunità di svolgere la lezione in comune con il TPO Metastasio di Prato, nell’ambito dei Seminari aperti per il Biennio NTA nell’ambito dei Seminari aperti per il Biennio NTA. Attendere ulteriore avviso.

Mercoledì 6 giugno

La lezione avrà luogo regolarmente, con orario 9.30-11.30.

Lunedì 11 giugno

Seminario per il triennio, ore 10-13 (Sia Videogiochi che Decenni)

Mercoledì 13 giugno

Lezione regolare.

BIENNIO 9. Tempi brevi: trailer, teaser, clip musicali.

Anche per effetto dell'accresciuta capacità degli utenti di capire i messaggi audiovisuali, i tempi si stanno contraendo: gli spot pubblicitari, i video musicali, i trailer sono "generi" brevi, che hanno abituato il pubblico a trovare convogliati in pochi secondi contenuti che nel passato venivano comunicati attraverso messaggi più lunghi.

a) Il trailer come genere

*1. The ChubbChubbs! I(2002)

http://www.youtube.com/watch?v=AAm6im8bZgo

http://en.wikipedia.org/wiki/The_ChubbChubbs!

http://www.imdb.com/title/tt0331218/plotsummary

The Scrat in Gone Nutty e nei trailer dei film Ice Age :

http://en.wikipedia.org/wiki/Scrat

2. http://www.youtube.com/watch?v=etKCHLgW_o0&feature=related

3. http://www.youtube.com/watch?v=W4gvxUlGNAs

Storia del genere trailer:

http://en.wikipedia.org/wiki/Trailer_(film)

Osservazioni di Bill Viola sui tempi filmici.

b) Finti trailer di Francesco Vezzoli (Brescia 1971):

Vezzoli studia a Londra presso il Central St. Martin's School of Art dal 1992 al 1995, anno in cui rientra in Italia e sviluppa i primi video come An Embroidered Trilogy (1997, 1998, 1999) presentata presso gallerie e musei italiani ed europei.

Personali: nel 2000 alla Galleria Comunale d'Arte Moderna (Bologna) e nel 2002 al Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea (Torino) e al New Museum of Contemporary Art (New York

Partecipa alla 49° Biennale di Arti Visive di Venezia nel 2001, con la performance:

4. Embroidery of a Book: Young at any age, stampe laser su tela con ricami in filo metallico (2000),

che riproducono dive celebri di un tempo,

e performance dell’ex modella degli anni ’60 Veruschka:

5. Veruschka era qui, 2001

che siede in primo piano di fronte all’opera precedente ricamando al telaio il suo stesso volto come appariva su una copertina di Stern del 1969, quando era all’apice del successo.

*6. Trailer for the Remake of Gore Vidal’s Caligula, 2005. Film a 35 mm trasferito su DVD, 5 min.

Alla Biennale del 2005 presenta:

c) Il video musicale

Creative industries: il concetto di “creative cities”.

*7. Video di Michael W. Kaluta per Don't Answer Me dei The Alan Parsons Project, dall'album Ammonia Avenue del 1984

http://www.youtube.com/watch?v=ALC7kt6iUHY

L’autore è il disegnatore di fumetti Michael Kaluta. Presentato nell’ambito dei Friday Night Videos all’epoca in cui era estremamente importante apparire in questa trasmissione televisiva musicale statunitense, nonostante la programmazione a tarda ora (12:30 am).

Il fumettista e illustratore statunitense Michael William Kaluta (o Mike Kaluta), nato nel 1947, ha creato questo piccolo capolavoro, una perfetta narrazione filmica ricca di ironia e perfettamente calibrata, basandosi su citazioni della grafica pulp anni ’30 e sul mondo del fumetto, affettuosamente parodiato in uno spirito che può ricordare l’opera dell’artista Pop Roy Lichtenstein.

Presentato nell’ambito dei Friday Night Videos all’epoca in cui era estremamente importante apparire in questa trasmissione televisiva musicale statunitense, nonostante la programmazione a tarda ora (12:30 am). Friday Night Videos era nata come risposta televisiva a MTV in anni in cui la tv via cavo non era ancora accessibile a un gran numero di utenti.

http://en.wikipedia.org/wiki/Mike_Kaluta

Su M.W. Kaluta:

http://www.kaluta.com/

http://www.angelfire.com/ns/logan2/spotlight/kaluta/index.html

Su questo video:

http://popidiocy.blogspot.com/2009/01/comic-work-with-mw-kaluta.html

http://en.allexperts.com/q/80s-Music-2701/2008/1/80s-Music-Video.htm

The Alan Parsons Project è stata una band britannica di progressive rock, attiva tra il 1975 e il 1990, fondata da Eric Woolfson e Alan Parsons.

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Alan_Parsons_Project

Friday Night Videos: trasmissione video della NBC americana molto popolare dal 1983 al 2002.

http://en.wikipedia.org/wiki/Friday_Night_Videos

La carriera di Alan Parsons e la storia di The Alan Parsons Project sono un esempio di come una "città creativa" per antonomasia, come la Londra in quegli anni, sia una componente determinante nello sviluppo di una carriera artistica

d) A proposito del libro:

Creative Industries, a cura di John Hartley, Blackwell, 2005,

http://books.google.it/books?id=dKytfKUptrMC&dq=hartley+creative+industries&source=gbs_summary_s&cad=0

si prendano in esame due saggi contenuti nella parte quarta:

Jinna Tay, Creative Cities, e Charles Landry, London as a Creative City

Nella parte introduttiva del suo saggio, Charles Landry dà la seguente definizione di creatività (trad.mia):

“In breve, la vera creatività implica la capacità di mettere a fuoco un problema per la prima volta o da un punto di vista nuovo; di scoprire tratti comuni tra fenomeni in apparenza caotici e disparati; di sperimentare; di osare essere originali; la capacità di riscrivere le regole; la capacità di visualizzare scenari futuri; e, forse più importante di tutto, la capacità di operare ai margini della propria competenza anziché al centro”.

Si introduce il concetto di “creative city”, osservando prima di tutto che esso va contro la comune opinione che internet e le comunicazioni globali tendano a livellare le differenze geografiche e a rendere possibilie ovunque lo sviluppo di un’industria creativa. In realtà, quest’ultima ha bisogno anche di reti di interrelazioni personali, di uno stile di vita e di servizi come caffè, ristoranti, bar, turismo e vita notturna. In altre parole, le creative industries tendono a svilupparsi in città che offrono potenzialità culturali ma nello stesso tempo anche “spazi, e birre”, a prezzi sostenibili. “Una città con artisti, vita notturna e diversità attirerà anche imprenditori, accademici, specializzati nelle tecnologie, cioè quelli capaci di dare impulso alla crescita economica nell’era presente” (Jinna Tay).

“Local cluster” è un gruppo di creativi connesso a un’attività produttiva (ad esempio, la produzione di un cd musicale o di un film); i cluster si formano in gran parte spontaneamente, ma solo se la città presenta condizioni e stili di vita tali da rendere possibili gli incontri.

Bibliografia

Vedere i link indicati nel testo

Biennio 8. Jean Clair, L’inverno della cultura. David Claerbout, Urs Fischer

Accademia di Belle Arti in Venezia

STORIA DELL’ARTE CONTEMPORANEA/Biennio

Docente: Gloria Vallese

a) Jean Clair, L’inverno della cultura, e Donald Thompson, Lo squalo da 12 milioni di dollari

Lettura di brani dal libro di Jean Clair, L’inverno della cultura, trad.it. Skira, 2011

Jean Clair è stato conservateur del Centre Pompidou, direttore del Musée Picasso e, nel 1995, direttore della Biennale di Venezia del Centenario. Ha curato importanti esposizioni di richiamo internazionale (tra le ultime la mostra Crime et châtiment al Musée d’Orsay nel 2010). È autore di saggi sull’arte e l’estetica che sono stati tradotti in numerose lingue. Nel maggio 2008 è stato eletto membro dell’Académie Française.

Per Skira ha pubblicato nel 2008 La crisi dei musei. La globalizzazione della cultura e, nel 2011, Breve storia dell’arte moderna.

http://archiviostorico.corriere.it/2011/agosto/08/Quelli_che_hanno_ucciso_arte_co_9_110808019.shtml

Donal Thompson, Lo squalo da 12 milioni di dollari, trad.it. Mondadori, 2009

Autorevole economista inglese con la passione per l'arte, Donald Thompson prende spunto da Damien Hirst e dal suo famoso squalo in formaldeide per analizzare i meccanismi che muovono il sistema sistema economico dell’arte contemporanea, fatto, come ogni altra attività imprenditoriale, di strategie di marketing e di creazione di brand. Il libro analizza le case d'asta (come Christie's e Sotheby's), il sistema delle gallerie e dei collezionisti, dei mezzi d’informazione, e, non ultimo, il modo in cui l’artista contemporaneo si muove fra queste componenti.

b) Palazzo Grassi: David Claerbout, Urs Fischer

David Claerbout, fotografo belga nato nel 1969, ha studiato ad Anversa, Amsterdam e Berlino prima di stabilirsi definitivamente a Anversa (anche se continua ad andare regolarmente a Amsterdam, dove insegna presso il Rijksakademie van Beeldende Kunsten cui era stato allievo).

La sua ricerca si sviluppa in uno spazio contemplativo, in un terreno intermedio tra video e foto.

L’opera esposta a Palazzo Grassi è uno slideshow. Sviluppa il tema di un gruppo di ragazzi su un tetto di Algeri, che sospendono una partita di pallone per guardate uno di loro dar da mangiare a un gabbiano.

Da notare il bianco e nero nitido e scultoreo, la dimensione monumentale, la scansione lenta di questi momenti in cui i diversi personaggi ritornano, delineando le componenti di una storia che tuttavia non decolla, rimane minimale, sottolineando il contrasto fra narrazione e attimi sospesi che acquistano un risalto monumentale.

http://www.davidclaerbout.com/Site_eng/Home.html

David Claerbout, The Algier’s Section of a Happy Moment, installazione, 2008

http://gallery.me.com/davidclaerbout#100030&bgcolor=black&view=grid

b) Palazzo Grassi: David Claerbout, Urs Fischer

Dal comunicato stampa della mostra:

“La programmazione di Palazzo Grassi - François Pinault Foundation ruota attorno a un principio di alternanza tra esposizioni collettive dedicate alle opere della Collezione François Pinault e mostre personali dei grandi artisti del nostro tempo. Da una parte, si tratta di proporre al pubblico punti di vista sempre rinnovati sulla collezione, grazie a esposizioni tematiche di curatori internazionali. Dall’altra, invece, i grandi artisti di oggi vengono inviotati a appropriarsi degli spazi del Palazzo, per dar vita a progetti speciali, concepiti per il luogo stesso, in grado di unire la dimensione della retrospettiva e quella della creazione in situ.

François Pinault ha voluto che fosse Urs Fischer a inaugurare questo nuovo ciclo di mostre monografiche. Di conseguenza, Urs Fischer è di fatto il primo artista vivente a essere oggetto di una mostra personale a Palazzo Grassi - Punta della Dogana - François Pinault Foundation.

Realizzata negli spazi dell’atrio e del piano nobile del Palazzo, l’esposizione è la più importante dell’artista sinora realizzata in Europa e la prima in assoluto a presentare una panoramica del suo lavoro,lungo due decenni. Concepita congiuntamente da Urs Fischer e da Caroline Burgeois, la mostra, intitolata “Madame Fisscher”, si svolge dal 15 aprile al 15 luglio 2012 e raccoglie opere provenienti da numerose collezioni internazionali. Il nostro ringraziamento va ai prestatori che con la loro disponibilità hanno reso possibile questo progetto.

La mostra “Madame Fisscher” è accompagnata da un’intensa attività culturale sviluppata in stretta collaborazione con Urs Fischer: la pubblicazione di due libri realizzati ed editi dall’artista stesso; un ciclo di film proiettati nelle due sale che si affacciano sullo cslone principale; un workshop in collaborazione con gli stidenti dell’Accademia di Belle Arti di Venezia; un programma di mediazione culturale, di documentazione, e di accompagnamento alla visita; un incontro aperto al pubblico con Urs Fischer (nell’ambito del calendario mensile di incontri con gli artisti)...

La successiva esposizione di Palazzo Grassi si svolgerà nella seconda metà del 2012 e sarà dedicata a una dimensione sinora poco affrontata nelle precedenti esposizioni della Collezione François Pinault a venezia, quella dei video e dei film d’artista” (Martin Bethenod, Amministratore Delegato e Direttore di Palazzo Grassi - Punta della Dogana, François Pinault Foundation)

http://www.ursfischer.com/images

http://www.newmuseum.org/exhibitions/417

http://www.luxury24.ilsole24ore.com/ArteCreativita/2009/10/urs-fischer-new-york_1.php

http://corrieredelveneto.corriere.it/veneto/notizie/cultura_e_tempolibero/2012/14-aprile-2012/urs-fischer-follia-pop-2004072494279.shtml

Bibliografia

Vedere i libri e gli articoli citati nel testo